詳細： 1年半ロックミュージックの作曲とレコーディングを続けた後、頭をすっきりさせる必要がありました。私は、物事が突然ではなく、徐々に展開していく音楽を聴き、作ってきました。モノマシンやアナログフォーでパッチをセットアップし、それらを聴きながら、ある音が別の音に変化していくのを聴き、しばらく聴いてからパッチに変更を加え、徐々に要素を加え、最終的にその場で音を操作しました。すべてのトラックはCDバーナーにライブ録音され、オーバーダブは一切なく、1台か2台のマシンで演奏されました。クリス・ワトソン、ピーター・レーバーグ、ベルナール・パルミジャーニ、CMフォン・ハウスヴォルフ、ヤナ・ウィンダレン、オーレン・アンバーチ、ハザード、ブルース・ギルバート、クララ・ルイス、池田亮司といったアーティストばかりを聴いていましたが、ビートルズ時代にジョン・レノンが自宅で行っていたテープレコーダーやメロトロンの実験、そしてボウイの「ステーション・トゥ・ア・タイム」の最初の1分のような出来事にもインスピレーションを受けていました。ステーション、ジミ・ヘンドリックスの「…アンド・ザ・ゴッズ・メイド・ラブ」、イギー・ポップの「マス・プロダクション」のシンセサイザー、そしてイーノが当初構想していたアンビエント・ミュージックのコンセプトといったもの。音楽を音響空間における孤独な彫刻として捉えるという考えが、この音楽制作の大きな動機でした。彫刻の写真を見ながら、動きと静寂を同時に伝える音楽を作ろうと試みました。急激な音楽の変化、特に音符やリズムの連続は避けました。実際、この音楽は単一の音符を超えることのない連続で構成されており、多くの作品は単一のパターンで作られています。優れた彫刻家が、作品の周りを歩く鑑賞者の目に素材の形が触れたり、太陽の位置が変わったりする時に伝える動きは、まさにシンセサイザーのパッチが伝える役割でした。バンドにいたことが果たした役割は、計り知れません。以前、12年間自分の曲のプログラミングとエンジニアリングに取り組み、その後1年半は音楽制作に専念していました。そこでは、私の役割は基本的に曲作りとギター演奏でした。バンドのレコーディングが終わった時、私は自分の音楽言語に立ち返る必要がありました。コード、リズム、音符、明確なセクション、鋭いトランジションなどはもう十分だったのです。私が必要としていたのは、音だけを使ってゼロから音楽を作り、その音楽が「すること」ではなく「存在」を反映させることでした。それは、バンドのミキシング作業の前と最中に、自分自身を再びバランスよく整える、一種のセラピーのような方法でした…」 - ジョン・フルシアンテ